cassette art

Zona Maco 2011

2011-04-17T20:15:00.000-07:00

Esta maravillosa feria de arte contemporáneo que se realiza en la Ciudad de México, cumplió un año más de vida, y con éxito, presentó el trabajo de 900 artistas plásticos de todo el mundo, en un espacio de 10 000 metros cuadrados de exposición.

Su importancia trasciende más allá de todos los comentarios que se puedan realizar en contra de las piezas contemporáneas exhibidas, ya que los mexicanos tuvimos la oportunidad de apreciar los movimientos artísticos que se están apoderando de la cultura mundial, por un bajo costo, durante cinco días, y en todas sus formas (performance, pintura, escultura, video, etc).

En medio de un ambiente fiestero, con aperturas de galerías mexicanas, muchos extranjeros y el arte como testigo, MACO rompió record de visitas, sin dejar duda de que el siguiente año continuará como hasta ahora, incrementando su popularidad e inculcando la cultura contemporánea en México.

Mis piezas favoritas este año fueron las de Marina Abramović. La amo.

FAVORITOS al azar 2

2011-01-28T07:34:00.000-08:00

En la búsqueda de imágenes que emprendo todos los días para mi trabajo, encontré estas florecitas llenas de colores, de belleza y armonía... Me pregunto, ¿hay algo más sorprendente que la naturaleza? ¿Qué haría el hombre sin toda esta inspiración? Recobremos el arte de la contemplación.

Karina Eibatova y sus munditos mágicos

2011-01-24T09:43:00.000-08:00

Me gusta mucho el trabajo de Karina Eibatova (Eika), es una ilustradora y artista plástica que vive en Moscú, Rusia, crea mundos infinitos llenos de amor y contemplación por la naturaleza, tiene ese tacto para plasmar la belleza de manera sublime y me recuerda a los ilustradores naturalistas antiguos. Después de sus estudios en San Petesburgo y Suiza ahora dirige un colectivo muy interesante llamado “Dopludo” (Link del Flickr del colectivo)

“Desde muy joven he sido aficionado del dibujo. Amo la naturaleza, y creo firmemente en la magia, la paz y el amor, así que por supuesto estos son los principales temas que exploro en mi trabajo. Vida, el espacio y la naturaleza infinita…”

Cai Guo-Qiang: Resplandor y Soledad en el MUAC

2011-01-11T23:21:00.000-08:00

Cai Guo-Qiang es ampliamente reconocido como uno de los artistas más importantes de la escena contemporánea que ha emergido de la China post-revolucionaria y uno de los actores más significativos de la escena contemporánea internacional. Cai empezó a experimentar con el uso de la pólvora buscando albergar más espontaneidad en su obra como reacción al carácter opresivo y controlado del ambiente social de China y sus tradiciones artísticas.

Resplandor y Soledad es su primera exhibición individual en Latinoamérica y la ha diseñado como una instalación a gran escala de sitio específico para el MUAC. La muestra también comprende un recuento de los eventos explosivos característicos de su obra desde 1990, presentados como una secuencia de proyecciones a gran escala. Presenta un paisaje panorámico altamente teatral y conscientemente artificial. Se trata de una interpretación de México que remite a sus mitos fundacionales, así como a las condiciones geológicas que le permitieron a la ciudad de México establecerse en su lugar actual. Cai ha construido un paisaje de rocas volcánicas con un “lago” de mezcal en su centro. Este representa el lago de Texcoco, también llena el espacio expositivo con el aroma evocador del alcohol y crea un entorno fuertemente sensorial. Para el artista el alcohol es al mismo tiempo el agente de la convivencia, la comunidad y la hospitalidad, así como el portador de la soledad. Alrededor del lago se despliega una secuencia de catorce dibujos de pólvora que representan elementos del paisaje mexicano, así como flora y fauna, diferentes referencias culturales locales y un inmenso sol negro.

 Para el desarrollo de esta instalación, Cai partió de una meditabunda exploración con el curador, sus colegas en el estudio y con el museo, seguido por la visita de México y la investigación; y finalmente con la colaboración práctica de estudiantes de la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM, una profundidad social vital para el artista, en la creación de un nuevo cuerpo de dibujos de pólvora; de tal forma que son evento, colaboración y proyecto social. No dejen de visitar esta instalación. Estoy segura les robará el aliento.

MuAC- Insurgentes sur 3000, Centro Cultural Universitario. Hasta el 27.03.2011

Espectrografías en el Muac

2011-01-11T23:04:00.000-08:00

Para entender esta exposición debemos comenzar por preguntarnos, ¿qué es un espectrógrafo?, para así entender el nombre que titula esta compilación de obras con un mensaje. Este instrumento, el espectrógrafo, tiene dos funciones: el REGISTRO de un espectro luminoso y la obtención del espectro de un sonido complejo para analizar los elementos que lo componen; se usa sobre todo para estudiar los sonidos del lenguaje.

¿Qué comparativa intenta tener esto con el 2010?, esta exposición plasma de otra manera la forma de trabajar sobre la historia, un proceso que no está dirigido a lo visible sino a lo invisible; una que invoca al fantasma que nos invade con festejos y conmemoraciones, nombrando a lo que está ausente y que sin embargo - o más bien por ello mismo - no deja de acosarnos.

Realizamos estos festejos descomunales porque nuestro año presente está fuera de quicio; lo marcamos como el momento perfecto para conmemoraciones, pero la realidad es que, no cae en el recuerdo de lo pasado, sino solo en una celebración momentánea sin fin alguno para de análisis a favor del cambio.

El mensaje no pretende incitar al festejo ni a la conmemoración, por lo contrario, busca hacer consiente al pasado como un hecho ya consumado, para que así, nos detengamos a pensar en esa mirada que arrojamos hacia el futuro mientras las ruinas se acumulan y los muertos entierran a los muertos.

La exposición nace de la necesidad de cuestionar nuestra estética y política entre memoria, pasado e historia, afrontándose como un proceso donde la mitad se observa y la otra no se percibe siquiera, de penetraciones y eliminaciones que a lo largo de este proceso han trazado, en su tensión, una espectrografía.

Mi obra favorita fue: En Papel Moneda (200 espejos de Plata Libertad) y 200 monedas de Plata Libertad, Miguel Rodríguez Sepúlveda realiza una des-inscripción del símbolo con la des-materialización de 200 monedas de Plata Libertad, consumidas al ser talladas sobre papel, dejando como despojo un muro cubierto de restos que se resisten a desaparecer, monumento desbastado de la producción icónica de nuestra historia en una moneda que aspira legitimar y estabilizar un régimen.

MuAC- Insurgentes sur 3000, Centro Cultural Universitario. Hasta el 27.03.2011

FAVORITOS al azar

2011-01-11T22:42:00.000-08:00

Queridos lectores, sé que tuve muy abandonado el blog. Los extrañé mucho. Ahora estoy trabajo en la revista Chilango, estoy muy feliz, ojalá puedan comprar la revista y leerme. También diariamente publico diferentes cosas en www.chilango.com y parte de mi trabajo es buscar imágenes para ilustrar los textos que publico. Así que decidí aprovechar esas largas búsquedas para esta nueva sección de mi blog. Se llamará FAVORITOS al azar- Será una compilación de imágenes que el destino y Google me regalan. Ojala les gusten tanto como a mí.

¿Qué es el Hiperrealismo?

2011-01-11T22:00:00.000-08:00

Hace poco me invitaron a participar en unas fotografías de un artista hiperrealista. Cuando le platiqué a todos sobre esto me di cuenta de que nadie sabía que es esto. A mi me parece una de las técnicas artísticas más impresionantes que puedan existir; es por ello que decidí hacer los 7 puntos claves para entender este movimiento:

1- NO son fotografías.

2- Propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía.

3- Surgió a finales de los 60.

4- Para realizar un cuadro de hiperrealismo el artista realiza una fotografía. En base a esa fotografía pinta el cuadro a detalle.

5- Se vale utilizar cualquier técnica: óleo, pastel, carbón, pluma, escultura, grabado, etc. Lo importante es el detalle.

6- Surgió como una reacción frente al arte abstracto y al movimiento conceptual.

7- Exige el perfecto manejo de una técnica, precisión y estilo.

Elegí a mis 3 representantes favoritos:

Hilo Chen- Taiwan (Pinta sobre lienzo) www.Hilo.com

Dan Witz- Brooklyn (Es artista callejero e hiperrealista) www.danwitz.com

Juan Francisco Casas -Español (Todo su trabajo lo realiza a gran escala y con tan solo una pluma Bic azul) www.juanfranciscocasas.com

Beuys y más allá- El enseñar como arte. En el MuAC

2010-10-18T22:00:00.000-07:00

Joseph Beuys (1921 – 1986) fue uno de los artistas más importantes de la segunda mitad del siglo XX; su pensamiento constituye una fuerte influencia creativa de gran trascendencia y debate hasta la fecha. Beuys propuso olvidar el dominante pensamiento materialista, para que por medio de su concepción mucho más amplia del arte, cada individuo participara en la creación de una nueva escultura social.

Generó obras innovadoras en relación al manejo del espacio, las técnicas y los materiales, sin embargo nunca abandonó al dibujo como forma esencial de expresión. La generación de los alumnos de Beuys ha recurrido también a las artes gráficas, y en esta exposición se reúnen las obras de la colección de arte del Deutsche Bank, no solo las del artista, sino también las de sus alumnos, esto brinda una perspectiva que vincula el arte y la educación itinerando la muestra por América Latina, y dialogando en cada sede con un autor que, en cada país, destacara por su doble influencia como creador y maestro.

En el caso de México, el artista y maestro que se presentará en diálogo es Mario Rangel Faz (Que es la exposición de la que hablo en el siguiente post), cuya obra es revisada en la muestra paralela Coordenadas, Mario Rangel Faz.

Hasta el 31 de Octubre de 2010.

Mario Rangel Faz- Coordenadas en el MuAC

2010-10-18T21:20:00.000-07:00

Esta exposición se centra en la calificación que Platón le da al artista y al poeta cómo ilusionistas y demiurgos (Para los antiguos griegos, era el espíritu que da origen y ordena todas las cosas a partir del caos). La acción artística de Mario Rangel Faz (1956 – 2009) fue el estímulo de manera multidisciplinaria por su participación en Grupo SUMA y el colectivo Atte. la Dirección; el y sus colaboradores buscaron capturar dentro de su espectro estético mundos aparentemente tan distintos como la gráfica urbana (graffiti) y los paisajes aéreos, así pudiendo encontrar coincidencias entre el gesto del arte callejero y la caligrafía oriental.

Este colectivo realizó una fuerte crítica social en contra del gobierno, los periódicos (sobre todo sus encabezados), la clase obrera, la pobreza que se vivía en nuestro país en ese momento, etc. Por medio de performance público, piezas y repartición de información en las calles lograron transmitir un mensaje que hizo época. Grupo SUMA se caracterizó por utilizar los recursos más inusuales para el reparto de información, fueron precursores del esténcil en las calles de nuestra ciudad, así como también realizaron intervenciones que involucraban temas como Tlatelolco. Philips y el día de San Valentín.

Mario Rangel Faz fue maestro de grabado de la Escuela Nacional de pintura, Escultura y Grabado, “La Esmeralda” de 1994 hasta su muerte en 2009.

No se la pierdan, ya casi va terminar. Hasta el 31 de Octubre.

Performance en el MuAC

2010-10-18T20:23:00.000-07:00

Los domingos hay performance en el MuAC, los invito a que asistan, hay muchos muy interesantes. A mi el que más me gustó fue Periódicos, trapeador, cubeta, un acto que consiste en limpiar el piso, cubrirlo con periódico para tratar de dignificar el valor invisible del trabajo doméstico. Para este performance, sobre uno de los pasillos principales del museo se tienden los empleados de intendencia del museo, para que así, de esta forma, sea visible el esfuerzo y labor que realizan dentro del mismo. Hagamos notable la presencia de estas personas, que por lo general se mantienen al margen de lo invisible.

Posición Errante > Wandering Position - En el MuAC

2010-10-18T18:35:00.000-07:00

InSite dona una copia de su archivo al MuAC con la finalidad de que surgiera una muestra que planteara el fenómeno político-social que se vive en ares fronterizas como Tijuana- San Diego. Este archivo es resultado de años de investigación para documentar, en material impreso y digital, los más de 200 proyectos artísticos que se han llevado acabo desde 1992, mismos que han criticado, ayudado y analizado la situación de nuestros inmigrantes mexicanos en los Estados Unidos, promoviendo la reflexión sobre el vínculo que se genera entre la obra de arte y el archivo que lo registra, y de esta manera, motivar a que se repitan las acciones con otros públicos y contextos.

Las piezas que más me llamaron la atención fueron 3: Francis Alys con Registro de Trayectorias (La postales aquí abajo) que metafóricamente plantean el recorrido de una ruta, la ruta de nuestros migrantes, y sugiere una comparación con la frontera; ese ir y venir del mexicano, la escasees de la estabilidad y el lazo familiar.

Los tenis Brinco es otro tema muy controversial dentro de los archivos de Insite; diseñados para cruzar la frontera con más seguridad, este par tienen la lengüeta impresa con un mapa del desierto, una brújula en las agujetas y una estampa de un santo en el tobillo. Una completa ironía a las políticas establecidas por “nuestros hermanos vecinos”.

Y por último me encantó la idea de la diosa de la fertilidad en la frontera. Este acto se realizó con la finalidad de liberar a todos los migrantes de esa carga que los tiene saturados, olvidar esa barda que nos marca, y que mejor forma de hacerlo que pariendo el acto. Por eso, se colocaron muchas diosas de la fertilidad en la barda fronteriza.

Visiten esta exposición, es muy interesante, podrán ver videos, archivos, audios, piezas, y explicación de todos los proyectos que se han realizado.

Más información www.muac.unam.mx

Zoombie work de Carlos Olvera

2010-08-23T16:54:00.000-07:00

Artista plastico originario de Monterrey, Carlos Olvera nos dice: “Todos esos juguetes noventereos que incluían un moco eran mis favoritos; recuerdo que a veces olvidaba el juguete y solo jugaba con el moco…”

¿Qué hacen tus papás? Mi papá es obrero y mi madre secretaria. Yo nunca supe nada de arte, hasta que entré a la escuela de artes... No comprendía nada de eso.

Influencias: Muchas de mis mayores influencias de trabajo como artista plástico fueron las portadas de discos que veía… Estaba muy metido en el Punk.

¿Te da morbo el vomito? ¡Sí!

¿En qué piensas mientras dibujas? Mmm la verdad no pienso mucho, es como un juego, en el qué, ó voy inventando reglas, ó digo por donde ir. Es difícil decir si pienso o no durante ese momento…

¿Qué otra pasión tienes? La música, de hecho, yo iba estudiar música, pero un día pase por la escuela de artes, pedí informes y aquí estoy. Conjuntamente con el arte, estoy armando un proyecto de improvisaciones con puros sintetizadores análogos, y uno que otro tecladito viejo grabados en cassete. http://soundcloud.com/tracksmutilados

Carlos actualmente realiza un proyecto zoombie. Realizando retratos de personas caracterizadas de esta manera… Si están interesados contáctenlo, podrían tener su propia imagen con moco verde escurriendo, ojos poseídos y sesos saliendo de su cabeza.

http://carlosolvera.tumblr.com

thisiscarlosolvera@gmail.com

Ergo, materia. Arte povera en el MUAC

2010-08-20T13:54:00.000-07:00

Como consecuencia de las revoluciones artísticas que se suscitaron por todo el planeta a mediados de la década de los sesenta, un grupo de artistas del norte de Italia crearon un patrón creativo del cual otros objetos, ideas o conceptos se derivaron.

Interesados en involucrar el arte, la vida, la cultura y la naturaleza, sus obras adoptaron un rigor experimental, utilizando materiales nunca antes empleados, como madera, hojas, rocas, cristal, vegetales, telas, carbón, arcilla, desechos, por lo tanto… Carentes de valor.

Este movimiento traza una red sin restricciones, es un laboratorio donde no hay cabida para contener percepciones intelectuales, así, favoreciendo el profundo encuentro con lo sensible y estimulando pensamientos diferentes que fomenten el compromiso con el entorno. Con esos parámetros, los artistas del povera unen materia y simbolismo. Derriban la separación entre naturaleza y cultura, unificando en una sola idea los elementos orgánicos con materiales manufacturados. Asimismo, registran su propio lenguaje ante las experiencias reales, involucrando lo sensorial y lo subjetivo.

Esta muestra tiene como objetivo transmitir el sentimiento hondo y muy propio que tiene el povera, donde no hay cabida para lo conceptual, su enfoque tiene una línea involucrada con lo tangible, con todo aquello que se obtiene fácilmente para plasmar una idea meditabunda y capaz de plasmar la fuerza que tiene lo cotidiano; ese movimiento, gravedad y temperatura que contiene absolutamente todo. Sin rodeos, sin ambigüedades…

Artistas como: Giovanni Anselmo, Alighiero Boetti, Pier Paolo Calzolari, Luciano Fabro, Jannis Kounellis, Mario Merz, Marisa Merz, Giulio Paolini, Luca Patella, Giuseppe Penone, Michelangelo Pistoletto, Gilberto Zorio integran esta importante exposición que por primera vez se presenta en Latinoamérica.

Todo a nada- MUAC

2010-07-19T16:59:00.000-07:00

Todo museo, no solo por su dirección, sino por muchas cosas, va encaminando un rumbo, tanto a su mensaje, como al arte que exhiben dentro.

El MUAC durante muchos años antes de ser abierto, formó una colección propia que contiene importantes ejemplares de la evolución artística del mundo. Proponiéndose una exhibición al año, que permita la apreciación de esta colección privada.

La muestra reúne obras del acervo del MUAC y de sus colecciones asociadas Charpenel-Guadalajara y Grupo Corpus, es parte del ciclo curatorial Hechos y delirios: soporte, materia, trabajo.

Todo a nada busca presentar prácticas que siguen emergiendo en la producción artística contemporánea, especialmente aquellas que a lo largo del siglo XX y hasta el presente, han trastocado las nociones de lo objetual y lo conceptual, la manufactura y la pre-fabricación, la inversión de esfuerzo y la delegación del trabajo.

Podrán observar como la mano de obra y la manufactura de las piezas, pasó a un segundo plano, ahora, el artista se consagra por sus ideas y su observación- critica de los hechos actuales junto con la sociedad misma. Todo esto como resultado de la industrialización.

La muestra plasma la transformación del arte desde aquel rompimiento que provoca Marcel Duchamp hace un siglo ya.

Materiales y objetos existentes, cambiados de contexto, tal y como el Redymade. Invitándonos a reflexionar sobre el valor estético de cada una de las piezas, además de demostrar el valor no erróneo, a la hora de haber adquirido cada una de ellas.

Curaduría: Patricia Sloane y Jorge Reynoso

The Traveling Show- Fundación Colección Jumex

2010-06-07T17:20:00.000-07:00

Sin miedo a encontrar cualquier experiencia en mi camino, voy atravesando las diferentes puertas de posibilidades que la vida me da. Cada una es un aprendizaje, sin duda alguna. Un viaje nuevo por emprender, la parte más difícil… después aterrizar.

Una nube densa de ideas, despertares y cuestionamientos que se tendré que analizar. Me da miedo analizar, tengo miedo del miedo, no quiero que me persiga todo el viaje.

¿Cuántos tipos de viaje tendré que emprender? ¿A qué estoy destinada? ¿Una cosa me llevará a la otra? ¿Amo u odio el que nada esté garantizado?

El azar como primer factor de interpretación y suerte… pero al fin y al cabo, es vida, es llevar algo de un punto a otro. No dejarse de mover, permitir que la felicidad, como la desdicha, sean las que conlleven a nuestro destino.

Con la ilusión de lo desconocido, con la incógnita de saberse vulnerable… ¡Déjense llevar!

Mis posibilidades, mis colores, mis formas.

2010-06-07T17:08:00.000-07:00

Museo Anahuacalli

-Hasta el 13 de Junio de 2010-

Brian Eno - 77 Millones de pinturas

René Magritte en Bellas Artes

2010-05-03T17:21:00.000-07:00

¿Cuál será la diferencia entre lo que vemos, lo que sentimos y lo que creemos? Me da miedo analizar a Magritte por que sé que dentro de su pintura rompe con las líneas que establecen el significado y el significante. No me sorprende que lo haga. Tampoco me sorprende que tratara de encontrar un balance entre lo que sentía, veía y creía. Y es que si tu lado artístico se involucra con el poder de transmitir una idea, muchas cosas funcionan.

Dicen que la estabilidad psicológica se puede perder fácilmente y quedar gravemente marcado; aun cuando alguien ajeno decide fracturar nuestra existencia. ¿Cómo será cuando alguien tan cercano a ti, como tu madre, decide quitarse la vida? Estoy segura que este acto marcó gran parte de la percepción analítica que tuvo Magritte. Volviéndose un hipersensitivo al entorno que lo rodeaba, no marcado por un época, ni mucho menos por lo que existiera, sino por la adaptación y entendimiento que el le otorgó a los objetos jugando con las palabras. De la misma manera, el surrealismo, el juego de imágenes ambiguas y las palabras en cuestión nos invitan a preguntarnos, qué tanta cercanía existe entre el objeto pintado y el real.

Magritte estuvo inspirado por el movimiento dadaísta, y al igual que Tristan Tzara intentó crear un anti-arte; no involucrando los títulos de sus cuadros con el verdadero significado de ellos. Una oposición al concepto de razón. Pintura por encima de un título.

Encuentro a Magritte un gran interlocutor con su espectador más allá de un maravilloso artista plástico. Históricamente me parece muy importante, y si ustedes tienen la oportunidad de visitar esta exposición háganlo. Bellas artes los está esperando y los domingos es entrada gratuita.

Espacio lúdico "El mundo invisible de René Magritte ¡Visítenlo!

ZONA MACO 2010 Ciudad de México.

2010-04-21T16:24:00.000-07:00

Una jungla donde se juega, al mejor postor. La mejor idea… El mejor stand, la mejor galería… La mejor pieza… Al mayor vendido, si así lo quieren ver los poco capitalistas… El mejor medio de comunicación que lo cubre… Por qué no, el mejor outfit. En fin, MACO puede ser un juego con demasiadas piezas por analizar.

Pero lo cierto es qué, desde el ángulo que sea medido MACO, no importa si tu opinión es en contra, o a favor… Es una oportunidad importantísima para México poder tener 96 galerías de todo el mundo y 900 artistas otorgándonos un diccionario visual de lo que está sucediendo alrededor del mundo.

Técnicas de lo más simples, hasta un hiperrealismo. El tan criticado conceptualismo. Fotografía, intervenciones, muchos artistas mexicanos, burlones que ríen del arte actual. “Grandes” compradores de todo el mundo, una mexicana promedio como yo, grandes ideas, tragos caros.

Me alegro por aquellos que lograron amar una pieza, por aquellos que encontraron algo interesante dentro de todo, el escéptico que aún no sabe que opinar, por quien compró una maravillosa pieza. Y también por quién la odio me alegro. MACO es MUY IMPORTANTE por eso… por haber generado tantas opiniones y sembrar en ustedes interés por el arte.

Algún Lugar/ Ningún lugar- Felix González-Torres en el Muac

2010-03-10T15:15:00.000-08:00

¿El retrato de una obsesión o simplemente el reflejo de un pasado duro? Cuando comencé a ver esta exposición me paso lo mismo que a todos, dije ¿Por qué hay tanto espacio en el Muac? ¿Y la obra? Y sí, así es el minimal art, una corriente artística que conserva los grandes espacios y exige un estilo más geométrico. Felix González-Torres perteneció a esta corriente, marcando una época con el poder de sus mensajes, reuniendo geometría con sentimientos.

Una época no solo es manchada por un artista, el artista también es manchado por una época. Y para González-Torres no fue nada fácil vivir los acontecimientos sociales y personales con los que convivió.

Nació en 1957 y al igual que su pareja murió de sida. Vivieron un amor apasionado y eran gays activistas. A partir de la muerte de Ross, su pareja, Felix empieza a realizar piezas con un dolor infinito representado en todas sus piezas. Ross Laycock se ve reflejado en el estado melancólico que Felix impregno en su obra. Dos pájaros en el viento, enseguida, uno solo volando hacia la nada. Toneladas de papel que pesan lo que el y su pareja juntos pesaban. Dos focos, dos relojes. Y su pieza más poderosa… la foto de la tumba de dos activistas lesbianas que murieron juntas. Preguntándose ¿Por qué Ross y yo no estamos ahí?

Desmesurados pensamientos que se ven plasmados en piezas muy simples físicamente. Sin dejar a un lado, el interés político y sus cuestionamientos sociales por su combinación de ideas, cubano nacionalizado americano.

Quimio- es una pieza que desborda la melancolía que Felix vivió en sus últimos años. Ya que el sida había avanzado y empezó a recibir una serie de quimioterapias, construyó esta cortina de cuentas de collares blancos que representaban los glóbulos blancos que perdía día con día.

Es importante que si visitan esta exposición pidan apoyo de “Los Enlaces” qué son jóvenes becarios que explican la obra del artista gratuitamente, así como también te pueden acompañar durante tu recorrido y explicarte en qué consiste cada pieza. El minimal art es muy difícil de interpretar sin saber el underground de un artista. Eso es un punto extra al Muac por preocuparse en esas cosas.

Del 27 de febrero a mayo de 2010.(Si dan click aquí los lleva a una canción que dedico a esta exposición)

Fotografía

2010-02-23T11:43:00.000-08:00

Este taller, tiene por objetivo analizar -desde un acercamiento crítico- las últimas manifestaciones comerciales e independientes de la fotografía de moda. Los participantes aprenderán a identificar los elementos principales que la conforman y caracterizan; y desarrollarán a partir de una idea, diferentes proyectos conceptuales en torno a la moda; dejando en un segundo plano la forma o el estilo visual que pueda ser complemento de dichos proyectos.

Teresa Margolles ¡Me inspiras tanto!

2010-02-21T20:46:00.001-08:00

SFMoMa- pieza contemporánea clave.

2010-02-19T17:17:00.000-08:00

Dicen que cuando vas a París no debes dejar de visitar el Louvre, y es cierto. El pisar un lugar completamente consagrado a las bellas artes, la arqueología y las artes decorativas, es información visual fundamental para nuestro acervo cultural personal.

Pero así como es importante entender nuestro pasado cultural, es aun más importante entender que es lo que está sucediendo actualmente con los movimientos artísticos. Y así como el Louvre se ha consagrado completamente a este ángulo de nuestra historia, hay otros museos contemporáneos que son inmensamente impresionantes y fundamentales para el estudio y apreciación de la evolución y abstracción de las teorías iniciales del arte. El Moma de San Francisco es uno de esos lugares que se tienen que visitar, que se tienen que saborear, que se tienen que vivir. Su arrebatadora e impresionante arquitectura, así como una colección privada que incluye Warhol´s, Pollock´s, Klee´s, Duchamp´s, Kahlo´s, Rivera´s, Koon´s entre muchos otros, es poco de lo que les puedo narrar al ver todas estas piezas reunidas con una curaduría magistral.

En mi visita tuve oportunidad de visitar la exposición "75 Years of Looking Forward" conmemorando sus 75 años como fuerza pionera del arte local y global, presentando una serie que ilustre las historias de los artistas, de los coleccionistas y de los visionarios culturales. Una exposición que destaca la fuerza única del SFMOMA

Otra de las exposiciones que pude apreciar fue "BETWEEN ART AND LIFE- The Contemporary Painting and Sculpture Collection" La presentación de una gama diversa de ilustraciones hechas en las cuatro décadas pasadas, a fin de destacar los esfuerzos de muchos artistas que trabajan en la actualidad. Between Art and Life toma su título de una declaración de Robert Rauschenberg hecha en 1959 sobre su interés en trabajar en la intersección del arte y la vida. La exposición se refleja en el paisaje pluralista del arte contemporáneo - Donde los artistas investigan las visiones personales, poéticas y políticas, en lo referente al mundo alrededor de ellos. Los artistas más destacados en esta exposición incluyen a Damián Hirst, Chris Johanson, Kerry James Marshall, Julia Mehretu, Ernesto Neto, Chris Ofili, Rauschenberg, Matthew Ritchie, Zhang Huan, y a Andrea Zittel.

-Si van a San Francisco, vayan al SFMoMa- Aquí las fotos que pude tomar para ustedes.

Zona Maco México 2010

2010-02-19T16:55:00.000-08:00

La feria de arte contemporáneo más grande e importante de nuestro país regresa este año al Centro Banamex del 14 al 18 de abril de 2010. Ningún pretexto es válido para dejar de ir; aunque esta feria es muy criticada por el mismo ambiente artístico, yo les puedo decir, con certeza, qué solo se tiene una fecha al año para ver más de 90 galerías internacionales reunidas en México. El deleite visual que regala Zona Maco, la perspectiva internacional del contemporáneo es algo sin igual.

Alex Grey en México

2010-02-17T07:02:00.000-08:00

El rey de la psicodélica viene a México a dar una conferencia y a convivir con todos los interesados en su obra. Este artista, destacado por sus maravillosa técnica, visión y propuesta, ha vivido múltiples viajes de ayahuasca, mismos que se ha permitido plasmar a través de su obra; viajes astrales y enfrentamientos con la vida y la muerte. Alex Grey en México definitivamente es una experiencia que vivir, no se lo pierdan.

Más información en: www.casalamm.com.mx

Les enfants terribles- Fundación Colección Jumex

2009-12-20T17:59:00.000-08:00

Una exposición colectiva que reúne piezas y las deja conversar… luego después, es difícil ingeniárselas para traducir en palabras lo que uno cree escucharlas decir. El método de la curaduría transmitirá la pasión engendrada en el curador y en su manejo y justificación del tema. Fundación Colección Jumex tiene, en mi opinión, la curaduría y la reunión de piezas más impecable, perfecto, mágico e irrepetible de todo México. En cada una de sus exposiciones no deja de sorprenderme, y en esta ocasión, robarme el aliento.

“El genio no es más que la infancia recuperada a voluntad, la infancia dotada ahora, para expresarse, de órganos viriles y del espíritu analítico que le permite ordenar la suma de materiales acumulada involuntariamente” – Baudelaire.

Existen incontrolables maneras de concebir una exposición. Una de ellas parte del texto: habitados por un discurso preciso, hay quienes emprenden la búsqueda de obras capaces de apuntarlo y darle validez. El objeto de arte se transforma entonces en argumento, cuando no es rebajado al rango de anécdota ilustrativa o, peor aún, de anécdota inútil. Les enfants terribles se inspira y refleja el mundo en el que vivimos cuando fuimos pequeños, ese mundo que se crea a partir de la perspectiva en proporciones sobredimensionadas, la ilusión de lo desconocido, el sorprendimiento, torcer y romper, cosas que forman parte de las dichas de la pequeña infancia, la inocencia en si…

El curador Michel Blancsubé resume su idea diciendo…“La impresión de volver a ser pequeño: he ahí lo que me gustaría hacer sentir al visitante”

Las piezas que integran Les enfants terribles gritan mensajes tan íntimos y poderosos que llevan a una reflexiva invaluable, sobre todo el video de Sebastian Diaz Morales llamado Ring (The Means of Illusion) 2007. Una historia cargada de simbolismos, una experiencia de vida. Me sentí terriblemente inspirada por esta obra.

Les aseguro que esta exposición conectará dentro de ustedes ese sentimiento infantil que es necesario para sonreír, ya que aquellos que no han roto el dialogo interior con el niño que fueron, que aquellos cuya memoria excepcional hace de su vida un largo plano secuencia, son amos de su destino.

Lunes a viernes de 10:00 a 17:00 horas. Visita con previa cita al teléfono: 57 75 81 88

-No olviden visitar la biblioteca de arte que tienen. Encontraran libros que ni se imaginan-

¡Gracias!

2009-11-06T13:39:00.000-08:00

Muchas gracias por votar, Cassette ART ganó como mejor ART BLOG!

www.labatalladelosblogs.com

Una fábrica, una máquina, un cuerpo- En el MuAC

2009-10-29T02:29:00.000-07:00

Arqueología y memoria de los espacios industriales, pretende establecer un mapa que refleje de que manera la práctica artística ha utilizado la producción industrial como metáfora para explicar la condición del sujeto contemporáneo durante las últimas dos décadas, en las que las maneras de ver y percibir lo industrial han sido profundamente alteradas.

La exposición evidencia los diferentes elementos que se vuelven primordiales a la hora de explorar las dinámicas necesarias de los sistemas de producción capitalista. Compuesta por 18 obras, 13 creadores de diferentes nacionalidades que logran reflexionar sobre las consecuencias de los cambios en los regímenes productivos sobre los trabajadores, así como las transformaciones producidas en el ecosistema urbano y en la propia apariencia de las fábricas contemporáneas.

Esta exposición tiene videos excelentes, que plasman como la maquina siempre estará superada por el hombre, el vacío y el silencio que las fabricas contienen, la soledad, la quietud que la maquinas humanas adquieren al convivir en demasía con las maquinas tecnológicas. Al fin, la necesidad y co-dependencia del uno con el otro (maquina-hombre). Vayan a visitarla, vale muchísimo la pena.

Del 24 de octube al 14 de febrero de 2010.

Jazzercise- Antonio O´Connell en el MuAC

2009-10-29T02:18:00.000-07:00

Como si no hubiera sido poco ver a Antonio O´Connell en el Ex Teresa Arte Actual, ahora se presenta en el MuAC con una de la mejores piezas y reflexivas que haya visto en mi trayecto con el arte contemporáneo, y más allá del contemporáneo, O´Connell es un visionario que logra desglosar y desdoblar cualquier objeto que se le presenta enfrente, una mente genio, con el don de ver y sentir cualquier pieza de la vida cotidiana y llevarla a un punto tan artístico, arquitectónico y con un enorme peso social; eso, penetra en la reflexión desde lo más exquisito como la música, hasta un análisis sobre la necesidad de reciclar, reutilizar y reanudar la circulación de lo cotidiano convertido en verdadero arte. Una pieza realmente poética.

Su nombre “Jazzercise” proviene de ese ejercicio reflexivo, con diferentes fines. Uno- rearticular con los materiales de desecho, generados por la Universidad Nacional Autónoma de México, una estructura poética que resignifique el potencial estético de éstos mediante la ocupación de los espacios de tránsito y descanso del museo. Dos- Se fue dibujando en la mente del artista mientras tomaba forma con piezas que fueron parte de la vida cotidiana, por lo tanto toma la misma estructura con el que la música Jazz comienza, el factor de la improvisación. Tres- Intenta reflejar a través del arte el sistema de consumo masivo que deviene en autodestrucción, como un virus que infecta estructuras y construye otras propias a partir de lo que estamos desechando. Concientiza a todo aquel que la ve y llena el espíritu de creatividad y felicidad por tener un mexicano tan creativo.

Del 17 de septiembre al 17 de enero de 2010

Wolfgang Laib- Pasotraspaso en el MUAC

2009-10-28T23:58:00.000-07:00

Muy lejos de los materiales duros rígidos y sin espíritu, Wolfgang Laib medita y crea una nueva estructuración de mezclas que dan vida a piezas con cierta vibra natural que irradia algo mucho más allá de los materiales convencionales de construcción, cómo dirían los franceses, un je ne sais quoi muy especial.

Con materiales como miel, polen, leche, mármol, cera y arroz crea espacios de presencia mágica generada por los materiales a los que recurre, productos de gestación natural y de enorme pureza que alcanzan incluso a simbolizar el concepto espiritual de lo puro, y apelan, tanto al entendimiento, cómo a nuestros sentidos, no solamente al visual, sino al táctil y al olfativo.

El proceso creativo de este artista se realiza en los entrecruces donde se encuentran Oriente y Occidente, lo abierto y lo cerrado, lo sólido y lo líquido, lo masculino y lo femenino, el yin con el yang. Sus obras exploran vivencias que resultan ajenas a la cultura occidental y propician una experiencia más profunda al guiar nuestra mirada hacia ámbitos meditativos.

Del 29 de agosto al 22 de noviembre de 2009- MuAC UNAM

Abe Atri- Dysfunctional Fun

2009-10-28T21:53:00.000-07:00

La energía es parte vital de este proyecto, asentando su esencia en la naturaleza y en la tecnología que llega a plasmarla. Revela la deficiente o "disfuncional" belleza del consumismo, la tecnología de baja calidad fotográfica - en concreto de los celulares, para qué, de esta forma, nos demos cuenta de la espontaneidad y don de improvisación que hemos perdido con la tecnología, y a la vez, que hemos adquirido con los dispositivos móviles que forman parte de nuestra vida cotidiana.

Abe tiene un interesante trabajo en donde las nuevas formas con esencia en lo básico, dan paso a sincronías muy interesantes. Asistan a su exposición del 5 de Noviembre al 5 de Diciembre de 2009.

Carta Editorial

2009-09-29T18:32:00.002-07:00

Queridos lectores de CassetteART, perdón por mi ausencia. Me fui a New York en busca de arte nuevo para este blog, pero sobre todo para mi. Necesitaba inspiración, imágenes, un aire nuevo; pero desgraciadamente no lo encontré. Por lo contrario, entré en un conflicto más profundo con el arte. Es más, me cuestioné si mi verdadera vocación es esto. Me dio una crisis muy rara, simplemente sentí que el arte se alejó de mi. Siempre he sido amante del conceptual (que esta muy de moda por allá y en el mundo en general) por lo que no le pude echar la culpa a el, luego intenté que el culpable fuera New York, pero más tarde me di cuenta de que es una simple crisis personal por la cual todas las profesiones, no solo el arte, deben de pasar, y creo que el cuestionarse y formularse esa serie de preguntas es muy bueno para mejorar y generar una mejor comunicación personal. No se desanimen quienes estén en las mismas. :)

Como sea que haya sido mi crisis... disfruté mucho de los museos, galerías y el arte callejero. En especial disfruté el MoMa. Y por ello pedí un permiso de prensa para traerles lo que yo pude ver por allá. Me da mucho orgullo decirles que conté más de 16 piezas que yo ya había visto antes en México, en La Fundación Colección Jumex, MuAC y el Museo Rufino Tamayo. Felicidades a México por que no estamos en el nivel de arte que creemos estar. Todo lo contrario. Solo falta creer más.

Les dejo los siguientes artículos esperando los disfruten mucho.

“Mural calle Houston, Os gemeos”

MoMa- New York City

2009-09-29T18:32:00.001-07:00

Los americanos me parecen muy divertidos, muy buenas personas, y claro, como solo ellos saben hacerlo formaron el MoMa. Este museo Newyorkino es una nave espacial contemporánea jajaja, no tiene ni inicio ni final, es como infinita, pero no deja de ser un museo, y un museo que sorprende con mucha luz e impresionantes obras que forman parte fundamental de la historia del mundo. Desde Jackson Pollock, Basquiat, Picasso, Duchamp, Roy Lichtenstein, Warhol, Magritte, Paul McCarthy, (no el Beatle) Isa Genzken, Richard Hawkins, Martin Kippenberger, Jeff Koons, Sherrie Levine, Cady Noland, Marcel Odenbach, Jack Pierson, Franz West, and David Wojnarowicz, Gustav Klimt, entre muchos otros.

La exposición que más me gustó dentro de sus muchas salas, fue Compass in Hand: Selections from The Judith Rothschild Foundation Contemporary Drawings Collection. Esta exposición, de hecho, la mayor exposición de dibujos montada en el MoMA, dispone de 300 obras de más de 150 artistas de esta colección y muestra los distintos métodos y materiales dentro de los estilos de abstracción gestual y geométrica, representación y figuración, y los sistemas basados en los dibujos conceptuales.

Esta exposición habla, primero y como lo más importante sobre la vitalidad del dibujo hoy en día y la documentación como el resurgimiento de la importancia de los medios para la practica del arte contemporáneo durante las últimas dos décadas.

El reciente trabajo en la exposición sugiere un nuevo enfoque para trabajar en papel, o más bien, el papel como material reconfigurado, con técnicas de ensamblado, asumiendo un papel más importante. Para entender esta actividad reciente, algunas trayectorias históricas se establecieron: una a través de obras figurativas, y las otras obras a través del abstracto, minimalismo , y trabajos conceptuales.

El título, “Compass in Hand” se refiere a la ambición de la exposición en la exploración geográfica y el descubrimiento(la brújula de navegación) Y su atención a los modos de hacer las cosas. Esa toma de decisiones artísticas que van marcando el curso del arte. (la brújula como instrumento de redacción). Un completo retorno a la narrativa y la figuración.

Estas son fotos de la exposición:

- Esta es la colección del Museo -

Kandinsky en la Guggenheim Collection

2009-09-29T18:31:00.001-07:00

Una de las cosas que más disfruté en mi estancia en NY fue la invitación de la Guggenheim Collection a su Press preview de la exposición de Kandinsky, festejando el cincuenta aniversario de la colección.

Kandisky desde su primer etapa, hasta su último momento, así cronológicamente por los hermosos pasillos de este edificio. Una sala dedicada a sus dibujos a lápiz, que no es muy común verlos, composiciones llenas de color, música por dentro, y todo esto combinado con la iluminación del museo que es perfecta. la curaduría impecable y un trato a prensa genial.

Kandinsky pintó mundos desconocidos, propios, tan complejos, que llegan a un punto donde dejan descifrar su funcionamiento y quien es quien dentro del cuadro.

Nada de lo que pueda decir al respecto les explicará lo que fue. Este video habla con detalle de todo lo que Kandinsky es para esta colección, no se lo pierdan, véanlo, vale muchísimo la pena.

- Video click aquí -